Bonjour et soyez les bienvenus dans la troupe l'émission qui
vous explique le spectacle vivant.
Avec mes invités, je vais démêler les ficelles du monde de
la scène pour vous permettre de devenir plus efficace dans ce
domaine artistique parfois complexe.
Je saurais moi parler votre jargon.
Conseils d'experts, création de spectacles, parcours et
témoignages, on est là pour vous offrir des solutions concrètes
et vous accompagner dans la réussite de votre projet
professionnel, des répétitions à la programmation en passant bien
sûr par l'administratif. Il est joli mon contrat, vous
pouvez le déchirer mon contrat, on va tout décortiquer ensemble.
Envie de faire passer votre projet à l'étape supérieure, de
comprendre la profession et de repartir avec la tête légère et
plein de bonnes idées ? Vous êtes au bon endroit et ça
commence tout de suite avec l'épisode du jour.
Aujourd'hui, voyons ensemble les 5 réflexes à adopter qui, selon
moi, vous permettront de survivre à la mise en scène de
votre tout premier spectacle. Salut l'équipe.
SC, Corentin, Ben écoutez, je suis très très heureux de vous
retrouver aujourd'hui pour un nouvel épisode en solo.
Ça fait très longtemps qu'on n'a pas pris l'occasion de parler
comme ça de de choses qui font avancer nos spectacles.
Tout simplement parce que nous, on était sur la création du
spectacle dont je vais vous parler aujourd'hui, Camille
Auguste, qui retrace la vie des sculpteurs Camille Claudel et
Auguste Rodin. Donc comment vous dire que
c'était une période très chamboulante et émouvante pour
nous ? Puisque Ben dites vous que on a
été programmé dans un théâtre parisien, ce qui est déjà
exceptionnel. Ensuite dans un magnifique
théâtre pour lequel on a beaucoup d'affection.
On vous en parle souvent sur cette émission, le théâtre le
Ranelagh, qui est situé dans le 16e arrondissement de Paris,
magnifique théâtre en bois, 300 places.
Une équipe absolument en Or. En diamant même, tellement ils
ont été précieux pour nous, si vous me permettez le jeu de mots
dans l'élaboration de ce spectacle du début à la fin.
Et puisqu'on vient de terminer la mise en scène et la création
technique est qu'on s'apprête à se lancer dans l'exploitation en
tant que telle et qu'on retrouve un peu de d'oxygène.
Je me suis dit, ça serait intéressant de prendre 20 30 Min
pour parler ensemble de de cette expérience de mise en scène là
qui était presque la première pour moi, en tout cas la
première dans des conditions aussi sérieuses, larges, avec
une grande ambition derrière. Donc j'ai beaucoup.
Pris au cours de ces répétitions et je vous propose de de
découvrir avec moi 5 réflexes que j'ai tâché de mettre en
place dès les premiers instants de la création de ce spectacle,
même en amont des répétitions, même pendant la phase
d'écriture. En vérité, même si c'est pas ce
qui va nous intéresser aujourd'hui, on va vraiment
parler de quand vous êtes avec vos comédiens, comment faire
pour faire avancer votre spectacle ?
Comment faire pour que les répétitions se passent bien ?
Donc voilà, j'ai noté 5 chapitres qui salon moi sont
très très intéressants. Le premier, il me semble assez
évident puisque c'est quelque chose qu'on traverse tous, c'est
soigner son syndrome de l'imposteur.
Je crois que c'est quelque chose qui intervient toujours à un
moment donné dans nos expériences professionnelles,
peut être même personnelles aussi parfois de ne pas se
sentir tout à fait en maîtrise, ni à l'aise ni à sa place dans
quelque chose qui pourtant. Nous semble très important.
Ensuite, on va parler des répétitions en tant que telles,
c'est à dire comment bien les anticiper, comment faire en
sorte d'en extraire le plus de productivité possible et de
façon assez contre intuitive. C'est pas nécessairement la
pression, le stress et l'envie de faire beaucoup qui vont vous
permettre d'obtenir le plus de ces moments de travail ensemble.
On va voir pourquoi. Ensuite on va parler des
comédiens et des comédiennes. Donc pour me simplifier la vie
et pour qu'il y ait pas d'histoires de sexe, et cetera,
je vais tout simplement aujourd'hui parler des artistes
avec lesquels vous travaillez. Ça permet d'être plus inclusif.
Dans la façon dont on en parle et donc comment faire en sorte
d'offrir les meilleures conditions de travail aux
artistes avec lesquels vous travaillez ?
Parce qu'en fait, ce sont dans les 2 sens du terme, eux, les
personnages principaux de de ces aventures.
Et sans une parfaite collaboration, une parfaite
ouverture, une parfaite confiance, il peut devenir à mon
sens très difficile de faire avancer les scènes.
Et donc. Vous perdez du temps le
spectacle, vous avez du mal à voir ce que ça pourrait donner,
et cetera, vous êtes en stress, du coup vous ça se répercute sur
l'ambiance de travail, et cetera.
Donc voilà, on va faire en sorte de trouver la manière d'avoir
des conditions de travail saines pour tout le monde.
Ensuite un chapitre très très important et pourtant
relativement court qui concerne la communication d'une façon
générale, communiquez avec les autres, précisez ce que vous
attendez des uns et des autres, est ce que vous vous faites
accompagner pour certains, pour certaines tâches ?
Et enfin on va finir en parlant de ce qui moi m'a le plus posé
de problèmes mais qui en même temps est peut être.
La problématique principale de la personne qui est à la charge
de la mise en scène, c'est de trouver ce dont le spectacle a
besoin. Et ça, vous allez le voir, on
va, on va décortiquer ça sous toutes les coutures de façon à
ce que vous trouviez le mode opératoire.
Qui pour vous ? Vous permet d'aller le plus vite
vers ce que vous avez envie de voir, et même de vous permettre
de visualiser, d'imaginer ce que vous avez envie de voir.
Ce qui n'est pas nécessairement facile quand on aborde comme ça
le travail d'une scène. Mais qu'est ce qu'on va en
obtenir ? Grande question.
Vaste question dont les réponses sont infinies.
Mais on va voir comment créer un cadre autour de tout ça.
Et puis pour finir. On verra quelque chose qui pour
moi, est essentiel pour faire avancer plus rapidement votre
travail. Une étape à ne surtout pas
négliger. On s'en parle après ces 5
premiers chapitres qui promettent déjà de de de vous
donner beaucoup d'informations précieuses, que ce soit votre
première ou que vous soyez à la veille de vous lancer dans une
nouvelle mise en scène. Je pense que ce sont des données
qui sont valables tout le temps. Donc tout d'abord, on va parler
de la façon de soigner son syndrome de l'imposteur.
Je pense que c'est quelque chose qu'on a tous en soi, qu'on n'a
pas nécessairement conscientisé, mais il est fort probable que, à
un moment donné, vous vous disiez, mais attends, mais moi
je je, je suis pas en capacité de de de faire ça, je.
Je sais pas comment ça marche, je sais pas quoi demander, je
sais pas comment organiser, je ne sais pas ce que je veux voir,
et cetera. La première des choses en fait,
qui à mon sens est très simple et qui va vous soulager tout de
suite, c'est d'accepter cette donnée là.
On n'est vraiment pas là pour faire de la psychanalyse à 2
balles, mais juste, je vous le dis directement, il faut
accepter cet état de fait, vous ne savez pas ?
Et vous avez le syndrome de l'Imposteur parce que vous
n'êtes pas en capacité de mettre sur la table des éléments de
preuve comme quoi vous êtes en maîtrise de ce que vous allez
faire. Donc peut être que il y a
certaines personnes qui sont en mode fake it until you make it
et je suis débordant de confiance en moi.
J'y vais à fond et je sais exactement ce que je veux
obtenir. OK, peut être que ça fonctionne
très très bien moi la technique que j'ai utilisée en tout cas
pour ma part. Et puis si on peut parler d'une
technique parce que tout ça est très.
Finalement très simple dans les faits, c'est de tout simplement
communiquer sur ce cet état là avec mon équipe, non pas pour
les inquiéter ou pour leur dire attention on va avoir du mal,
mais plutôt pour leur dire c'est une expérience nouvelle, on va
apprendre à marcher ensemble. Et c'est très enthousiasmant de
se dire qu'on va découvrir comment fonctionne ce spectacle,
et cetera, et de tout simplement vous dire que la façon dont vous
travaillez et dont vous concevez les scènes n'est pas finalement
inscrite dans le marbré et que vous allez explorer des choses,
que ça va prendre du temps, que vous allez vous contredire, que
vous allez annuler. Et il faut tout simplement
accepter ce processus là et en communiquer dessus ouvertement
avec vos équipes, quelles soient vos équipes techniques et vos
équipes artistiques. Parce que il est encore pire
pour des artistes qui travaillent avec vous de se dire
non mais la personne là là qui nous met en scène, là elle fait
n'importe quoi, je suis pas d'accord, je comprends rien, et
cetera. Là vous êtes sûr de mettre vos
artistes dans une situation de frustration et de complication
mentale. Alors que si vous avez
ouvertement exprimé le fait que vous êtes en train de faire des
tentatives, que vous êtes en train de progresser avec eux
dans cet exercice et que vous leur êtes reconnaissant de la
confiance qu'ils vous accordent, bah là vous les mettez tout de
suite dans une position de Ah d'accord, je vois où on en est,
OK Bah tu sais quoi ? Dit moi aussi je vais
accompagner, moi aussi je vais être ouvert, je vais me sentir
beaucoup plus, je vais me sentir beaucoup moins en surveillance.
Donc ce que je vous invite à faire et qui est très simple
finalement, c'est d'en parler avec votre équipe artistique et
de communiquer sur le fait que c'est une première pour vous,
que vous avez besoin d'être renseigné sur la façon dont vos
directives on va dire impactent le jeu ou même la personne avec
laquelle vous êtes en train de travailler.
Et de rester ouvert sur la communication, la modification
de façon à pouvoir avancer sereinement ensemble.
Et c'est finalement Ben l'inconfort, l'exercice
perturbant qu'est le fait de découvrir la mise en scène qui
va en fait soigner au fur et à mesure du temps votre syndrome
de l'imposteur. C'est une fois que vous aurez
les preuves que vous avez été capable de surmonter cet
exercice, que ce syndrome là disparaîtra de lui même, puisque
vous aurez des des expériences passées qui vous prouveront que.
Vous avez été en capacité de survivre, tout ça est très
biologique finalement qui vous permettront d'avoir la preuve
que ce que vous avez fait est qualitatif en tout cas.
Voilà, vous positionner directement en en tant
qu'explorateur et non pas en tant que sachant.
Ça va vous permettre de de vous économiser pas mal pas mal de de
charge mentale et d'installer une convention de travail de
recherche d'ouverture d'esprit envers la façon dont on
fonctionne plutôt que de dire c'est absolument comme ça que ça
va fonctionner. Et puisque c'est votre première
de vous rendre compte au bout de 2 semaines que en fait.
Ça marche pas depuis le début. En plus vos comédiens vont être
frustrés, et cetera, s'ils sont dans un mode de travail qui leur
convient pas. Et on verra plus tard, on
reparlera du travail des artistes.
Mais l'important c'est aussi que vous soyez bien dans vos pompes
et en confiance dans votre votre inconfort.
On va dire on passe à la 2e partie qui concerne la la
conception des répétitions. Alors j'ai envie de vous dire
qu'il faut concevoir vos répétitions comme des
architectes, avec des créneaux solides, bien ancrés dans un
emploi du temps. Ça c'est pour les Control freak
comme moi qui ont besoin de voir.
Sur papier, la façon dont ils vont organiser leur journée, et
cetera. N'oubliez pas que à l'intérieur
de ces blocs, ils font un peu de liquide de refroidissement, il
faut un peu d'aération, il faut que vous laissiez de la place à
l'imprévu. Les 2 choses que vous pouvez
faire quand vous commencez à organiser vos répétitions, c'est
déjà de vous dire que de de base, ça va prendre plus de
temps que prévu. Donc en fait, quand vous
accordez 2 h, on va dire à une scène, soit vous êtes
suffisamment satisfait de là où vous en êtes avec ces 2 h et
dans ce cas vous vous dites OK, le créneau est complété, super.
Soit en fait vous avez parfaitement conscience que ça
va certainement déborder une demi-heure de plus et donc vous
l'anticipez dans votre planning de façon à ce que l'objectif ce
soit 2 h mais avec la latitude de pousser jusqu'à 02h30 sans
dépasser puisque sinon là vous mettez en péril le reste de
votre journée. Donc en fait, laissez toujours
de la place à l'imprévu de façon à ce que lorsqu'il se produit.
Ce soit prévu finalement et que vous puissiez avancer
sereinement dans votre journée. Ça, c'est le premier conseil
très important. Le 2e, c'est d'aérer le travail.
Ce sont des journées qui sont très demandantes, mentalement,
physiquement, pour les artistes comme pour vous, comme pour
votre éventuelle équipe technique, et cetera.
Donc n'ayez pas peur de prendre des pauses.
N'ayez pas peur de commencer vos journées par 5 Min d'échanges
d'échauffement, le petit café qu'on connaît tous les
chouquettes et cetera. C'est à mon sens très important.
J'ai connu et travaillé avec des personnes qui étaient des
beaucoup plus autoritaires sur les horaires, et cetera, et moi
même j'ai horreur qu'on arrive en retard ou des choses comme
ça. Pour autant, pour 2 5 Min, et
cetera, je commence pas à prendre la tête aux gens, et
cetera sur mais alors qu'est ce qui s'est, qu'est ce qui s'est
passé, et cetera, pourquoi t'es pas là, machin et sais pas quoi.
Parce que en fait, dites vous bien que bon, vos artistes ne
sont pas des divas, mais Il n'empêche que si vous commencez
à leur prendre le chou pour des conneries, en fait ils vont
juste finir frustrés, ils vont venir en répétition à reculons,
et cetera, et vous avez besoin d'eux, alors autant qu'ils ont
besoin de vous, surtout que vous êtes le le, le porteur
d'affaires, comme on dit parfois dans le business, c'est vous qui
faites en sorte que des dates aient lieu, qui vont être
payées, et cetera. Tout ça on est bien d'accord,
sur le papier, on a bien compris que si jamais il se passe
quelque chose, vous êtes le chef de projet, vous êtes le ou la
responsable et donc. Si y a des choses positives qui
arrivent, bah finalement c'est aussi à vous qu'ils le doivent.
Cependant quand vous en êtes dans des phases de répétition,
il faut quand même un peu choyer votre votre équipe technique.
Donc n'hésitez pas à. À avoir une table rigide avec
des petites choses dessus, à grignoter des boissons à
disposition, de l'eau, beaucoup d'eau pour s'hydrater.
C'est très important parce que les le temps passe très vite et
les journées nous fatiguent énormément.
Et n'ayez pas peur donc d'aérer votre journée avec des pauses,
une pause déjeuner bien sûr, des pauses au moment où il y a eu un
truc vachement extrême, et cetera.
Parce que si vous demandez à vos comédiens de se donner à fond
dans un truc et que vous lui demandez de le refaire 2, 3 fois
à la suite d'un d'une scène très éprouvante, vous l'avez rincé,
vous l'avez épuisé. Et il faut bien se dire que ce
sont des marathons ces journées là, mentalement comme
physiquement. Et donc il faut vraiment prendre
soin de votre équipe artistique à mon sens hein ?
Toujours. D'ailleurs, tout ce que je vous
dis ne fonctionne pour moi et peut être que demain je
changerai d'avis pour X ou y raison.
Je ne vous encourage pas nécessairement à faire
exactement la même chose, mais en tout cas pour nous, ça a bien
fonctionné. De faire comme ça.
Donc aérez vos journées et surtout alors ça c'est un petit
conseil d'amis, le matin, quand vous commencez vos journées,
donnez le planning de la journée à vos comédiens parce que en
fait, on n'aime jamais trop partir dans l'inconnu.
D'ailleurs si vous avez pu le faire en amont même, c'est
d'autant mieux de dire tel jour on va travailler telle chose,
tel jour on va travailler telle chose, telle jour en tel jour on
va travailler telle telle chose parce que en fait c'est c'est
con, mais les personnes vont anticiper le fait que ce soit la
journée où ils travaillent, donc en fait la veille au soir.
Ils vont revoir leurs textes, ils vont être plus mûrs sur le
la réflexion qu'ils ont à propos de la scène.
Et pour les autres journées où ils travaillent moins mais où
ils travaillent quand même, ils seront beaucoup plus détendus
aussi parce qu'ils se disent Ah mais c'est OK, j'ai une scène
aujourd'hui, ça va aller. Donc en fait, n'hésitez pas à
donner le programme en amont et surtout ça permet que dès le
matin. Chacun visualise sa sa journée.
C'est con hein, mais on a, on a nos petits réflexes de confort
quand même, où on aime bien savoir que OK, donc là on
travaille 01h30 sur telle chose, c'est l'objectif, ensuite on va
pouvoir prendre une pause, ensuite on va retravailler 01h30
pour mettre en place ce qu'on a répété pendant la première heure
et demie, on va déjeuner, on a 45 Min et vous avancez comme ça
le planning de la journée et je peux vous garantir qu'une fois
que vous avez posé le cadre de la journée, bah en fait c'est
beaucoup plus facile d'avancer comme ça, alors que si on arrive
le matin, personne sait ce qu'on va faire, personne sait sur
quelle. Scène on va bosser et que d'un
coup vous dites à untel que il a sa plus grosse scène sur
laquelle on va bosser pendant 4 h.
Peut être qu'il y a des personnes à qui ça fait ni chaud
ni froid. À mon humble avis, de mon point
de vue empathique, que je peux avoir avec des personnes dans le
métier et en étant moi même comédien, tu peux être sûr que
ça fait quand même un ça fait quand même quelque chose.
On est là pour travailler et on travaille agréablement.
Mais tout ça est très demandant et donc il est important je
pense pour les personnes d'avoir les points de les points de
repères conforts de la journée pour déjà tu vois penser enfin
déjà consoler les points d'efforts de la journée.
Et donc c'est aussi comme ça que vous devez répartir le travail
de vos scènes. N'en mettez pas 36306 tonnes sur
le dos de la même personne, sauf si elle n'est là qu'une journée,
comme ça peut arriver parfois dans des équipes.
Donc répartissez intelligemment le travail entre les personnes
qui sont présentes. Ça, c'était pour le cadre de vos
répétitions. Donc voilà, souvenez-vous
anticipez ce sur quoi vous allez travailler.
Laissez toujours du rab pour faire en sorte que vous puissiez
déborder quand vous n'avez pas tout à fait terminé quelque
chose, sans pour autant tirer une balle dans le pied aux
scènes restantes de votre journée.
Commencez toujours par un moment chaleureux, convivial.
On prend des nouvelles des uns et des autres, on discute, je
peux comprendre. Certaines personnes soient un
peu plus tyranniques et veulent mettre la pression parce qu'il
faut être productif, et cetera. J'ai envie de croire que pour
certains cas, ça peut marcher. Mais je pense avant tout qu'on
travaille avec de la matière humaine et qu'une matière
humaine frustrée, vexée, énervée, travaille moins bien
que quelqu'un qui est épanoui, tranquille, libre.
Et on va y venir tout de suite. On va parler de la condition de
travail des artistes. Donc à mon sens, ça c'est un des
chapitres les plus importants puisque en tant que metteur en
scène, vous voulez obtenir de vos artistes ce que vous vous
avez imaginé en amont ? Je je préfère que vous imaginiez
en amont ce que vous avez envie de voir pendant la journée et
que vous prévoyiez le maximum de choses.
Ce que vous devez faire, votre job.
C'est de faire en sorte de mettre entre les mains de vos
artistes tout ce dont ils ont besoin pour s'éclater le plus
possible. Que ce soit d'ailleurs dans des
scènes d'amour, dans des scènes comiques, dans des scènes de
disputes, dans des scènes de drames.
Il faut qu'à l'intérieur de ça, ils ressentent le plus de
liberté et d'aisance possible. Donc qu'est ce qui peut
provoquer de l'inconfort de la part de de d'un artiste au
plateau ? Dans la catégorie théâtre, on va
dire Bah c'est de ne pas savoir ce qu'il ou elle doit faire, de
ne pas savoir dans quelle direction ça va.
De ne pas comprendre quels sont les enjeux, de n'avoir peut être
aucun élément de décor, aucun accessoire, aucun subterfuge qui
puisse alimenter son imaginaire. Moi ce que j'aimais bien faire
par exemple avant qu'on entame une scène, c'était toujours de
redonner qu'est ce qui s'est passé avant, qu'est ce qui va se
passer après, dans quel État sont les personnages à ce moment
là ? Et puis après vous pouvez itérer
à l'infini tout ce genre de détails.
Par exemple quelle est la température à ce moment là ?
Parce que nous on joue pas mal de scènes qui ont lieu en hiver,
bah ça peut être intéressant, le corps n'est pas le même.
Si un personnage a froid et donc alors ça c'est un exemple tout
con que je vous donne. Mais je veux dire Tu rajoutes
des couches comme ça et des couches et des couches.
Et en fait tu crées un imaginaire à ton artiste de
façon à ce que ensuite il puisse se plonger à l'intérieur de ça.
Donc sans donner trop d'informations puisque ça ça
peut être contre-productif, il faut que vous donniez un minimum
de nourriture comme ça à l'imaginaire de de votre
artiste. C'était la même chose quand on
était gosse, on trouvait un bâton dans la forêt et soudain
on avait une épée magnifique et l'imaginaire fonctionnait hyper
bien. On avait un caillou, c'était
notre base, et cetera. Donc en fait, c'est la même
chose que vous devez faire puisque le le système fonctionne
toujours et de façon très forte chez ces artistes de la scène.
Il faut que vous leur donniez à manger, faut leur donniez du
contexte. Des accessoires, même si ce ne
sont pas les bons, vous leur donnez un tournevis à la place
d'un, d'un, d'un marteau ou d'un crayon ou d'un parapluie même.
C'est qu'en sais-je en fait, ça va leur donner la gestuelle et
donc ça va les empêcher d'être en carafe.
Ça va occuper leur corps et leur esprit.
Conscients et du coup, ils vont pouvoir se concentrer à ne pas
se concentrer et donc en fait se sentir libre et pouvoir
s'exprimer simplement dans ce cadre que vous avez créé.
Donc moi je me souviens que j'arrivais toujours le matin
avec plein d'objets, beaucoup trop même d'ailleurs.
Les comment dire, c'est quelque chose qu'on s'est dit à la fin,
on m'a dit on m'a dit mais mec, y a y a trop d'objets, là y a
trop de trucs, on a des caisses de trucs sur le bureau, et
cetera. Je leur dis je sais-je sais-je
sais, vous en faites pas, vous avez totalement raison.
Qui peut le plus peut le moins en fait, donc maintenant qu'on
sait ce dont on a besoin. Et ce qu'on va garder pour le
spectacle, on va éliminer tout un tas de choses, hein ?
Vous vous souvenez ? Je vous avais dit juste avant,
trop d'informations peut être contre-productives.
C'est la même chose en fait, avec les stimuli ou les objets
que vous donnez à à votre équipe artistique.
Mais j'aimais bien, voilà, arriver le matin avec.
Des papiers, des des, des bouquins, des des objets à
manipuler, des des petits accessoires, et cetera.
Juste parce qu'en fait, je me dis que si tu donnes une paire
de chaussures à un comédien ou une comédienne, un artiste tout
de suite. En fait, le corps est dans une
position différente. On est bien d'accord.
On dit souvent que le comédien ou la comédienne trouve son
personnage une fois qu'il a les chaussures, mais en fait c'est
un peu la même chose avec des objets.
Si tu tiens 1 1 parapluie ou que t'as un monocle sur ton œil
droit. Le le corps est la façon de
parler et l'imaginaire n'est pas du tout le même que si tu le
laisses dans un État plutôt lambda.
Et une 2e chose que j'ai envie de partager avec vous, c'est que
pendant longtemps j'ai fait des ateliers d'écriture.
Et à l'intérieur de ces ateliers, on disait toujours la
même chose, c'est que de la contrainte naît la liberté.
Et en fait, si vous mettez un comédien dans une pièce et que
vous lui dites fais ce que tu veux.
Bon il va peut être te faire un truc incroyable, mais là d'un
coup au niveau imaginaire ça OKYAYA1 milliard de tiroirs, une
infinité de tiroirs à ouvrir pour aller récupérer des
éléments de de d'interprétation. Or si tu lui dis Voilà, ton
personnage est énervé contre telle personne pour telle
raison. Il est tôt le matin, la personne
a mal dormi. Tu viens d'apprendre telle
chose. Et toi, comédien, tu sais que
dans une demi-heure tu auras tué ce personnage, comment tu te
comportes par rapport à lui ? Si tu veux, si tu devais lui
verser du tasse, du café dans une tasse, tu vois forcément, si
tu dis à quelqu'un verse du café dans une tasse, bon OK, si tu
dis à quelqu'un verse du café dans une tasse, en sachant que
dans une demi-heure tu auras tué cette personne, tu lui as offert
un monde. À mon sens, vraiment, c'est
exactement ça. Et donc c'est votre job, en tant
que Metteuse, metteur en scène, c'est de créer ce sentiment de.
De cadre, de liberté, d'imaginaire.
Puisque si votre artiste est dans l'imaginaire, le public
normalement va pouvoir rentrer avec lui ou elle, vous devez
offrir les conditions de travail les plus productives et
confortables possibles à votre équipe artistique.
Alors maintenant que j'ai dit ça, j'ai encore d'autres petits
conseils à vous donner. Parce que c'est vraiment le cœur
de de cet épisode là de faire fonctionner des scènes, de faire
fonctionner votre spectacle. Foutez vous éperdument du texte
en vrai, c'est un grand conseil d'ami que je suis en train de
vous donner. Même si vous interprétez
Molière, si vous interprétez Shakespeare, même si vous
interprétez des alexandrins. Le but du jeu à mon sens, c'est
d'abord d'installer la situation, qu'est ce qui se
joue ? Pourquoi votre personnage est
dans tel État ? Qu'est ce qu'il a besoin de dire
à l'autre ? Je crois que c'est Bernard Marie
Koltès qui disait, le théâtre c'est 2 personnes dans une
pièce, y en a un qui dit oui, l'autre qui dit non.
Et Ben c'est ça votre job, c'est de trouver les points de
résistance, le pourquoi de du comment, de ces points de de de
résistance et ces négociations. Et de donner le contexte dans
lequel elles ont lieu et les points de rendez-vous à
l'intérieur de ça pour en revenir.
Du coup, à l'exemple tout à l'heure de la tasse, que dans le
texte ce soit indiqué tasse à café ou café, mais que pour vos
comédiens vous leur disiez vas y tu sais quoi ?
Pour cette répétition, utilise le mot poison ou dis ce que tu
veux, improvise. En fait, ça va leur donner la
machinerie, le corps, l'engrenage, la façon d'aller
vers ce que vous vous voulez voir.
Sans être empêtré par le respect du texte.
Et une fois que vous avez vu comment ça fonctionne et on va
en reparler de tester des choses après bah c'est là que vous
pouvez vous permettre de rajouter le texte par-dessus.
Le texte est un tableau, ce qu'est la couleur ou la lumière.
On peut penser que c'est un des éléments les plus importants.
C'est le cas bien sûr. Cependant, si votre composition
de votre tableau est déséquilibrée, si vous n'avez
pas tracé le schéma, les croquis en dessous et que vous peignez
en mode libre. Ça peut donner quelque chose, je
n'en ai aucun doute. Cependant, à mon sens, ce sera
plus facile pour vous si vous commencez d'abord à tracer un
chemin, un rail, à l'intérieur duquel votre équipe artistique,
vos artistes peuvent se sentir bien, et ensuite rajouter le
vernis de dire le mot exact. Et d'ailleurs, c'est notre ami
Antonin Artaud de souvenirs qui disait que une mise en scène qui
voudrait absolument respecter le texte donnerait un théâtre de
grammairien, un théâtre de fou, un théâtre de Grammairien, je
crois. Au début j'étais pas trop
d'accord avec ça, je me disais bah c'est con quand même, on a
des grands auteurs, est ce qu'on peut pas quand même tâcher de
respecter leur texte, et et cetera.
Mais je crois qu'aujourd'hui je vois ce qu'il veut dire, c'est
que si tu veux entendre des beaux mots, lire de beaux mots,
tu peux le faire avec ton bouquin chez toi sur ton canap.
Tu peux le faire en écoutant une captation ou un podcast de
quelqu'un qui fait du livre audio, de la lecture de de
textes, de grands textes dramatiques, et cetera.
Mais si tu vas au théâtre, tu y vas pour vivre des choses.
Et donc que quelqu'un te fasse vivre des choses en prononçant
le mot framboise ou assassin. Ben en fait, si c'est framboise
qui provoque des émotions la première fois et que tu
remplaces ensuite par le mot assassin, t'as gagné en fait.
Et c'est ça que c'est ça. L'objectif c'est gagner, c'est
de faire en sorte que ton public a vécu des trucs.
Donc si ton comédien ou ta comédienne bute à chaque fois à
cause du texte, en mode tu sais pas trop ce que ça veut dire ça,
et cetera. Faut passer par du sous texte,
passer par de l'improvisation. De façon à ce qu'en fait la
situation, l'enjeu soit plus clair et que ton artiste se
sente mieux tout simplement. Et une fois qu'il se sent bien
sur ce qu'il ou elle a à jouer. Ensuite tu peux ajouter le
vernis du texte pour vous dire. En plus, dans cette mise en
scène, c'est moi qui ai écrit, donc bon certes je pourrais, on
pourrait penser que c'est facile puisque t'as écrit, Tu fais ce
que tu veux avec ton texte, et cetera.
Ouais mais ça a été écrit pour dire des choses bien précises à
des moments bien précis et pourtant plein de fois.
J'ai dit à mes équipes légales et on se fout du texte.
L'objectif c'est de jouer ce que vous avez à jouer.
Je m'en fous si vous en rajoutez avant autour, pendant si vous
utilisez d'autres mots. L'important c'est que je veux
voir la scène, je veux voir le le, l'enjeu qui se qu'il y a
entre vous. Je veux voir par quel État vous
passez et ensuite on rajoutera le texte puisqu'on aura vu quels
sont les rendez-vous à l'intérieur de ce à l'intérieur
de cet échange. Donc voilà, grand conseil de
potes pour vos répétitions, foutez vous éperdument du texte.
Souvent, Stephanie Wurtz, qui était notre coach d'acteur, nous
disait, le texte n'est qu'un prétexte, elle a 1000 fois
raison et en disant ça, elle a tout dit.
Le texte n'est qu'un prétexte pour nous dire ce qu'il y a à
jouer, et cetera. Et ensuite, une fois qu'on aura
trouvé les enjeux et la scène, là on on commencera à réfléchir
si on doit dire plutôt framboise ou fraise des bois, ou et
cetera, pour rester dans des métaphores toujours très
florales. Vous l'avez remarqué, un truc
qui est hyper important pendant ces phases de répétition, et ça
concerne quand même les conditions dans lesquelles vous
faites travailler vos artistes, c'est que vous devez rester.
Bord et ça c'est hyper important pour plein de raisons.
C'est que on a souvent tendance, et c'est complètement normal, à
laisser les gens s'exprimer sur ce qu'ils ressentent.
Ça c'est ça. C'est vraiment open bar
là-dessus hein. Faut vraiment être très à
l'écoute quand les gens expriment des choses qui leur
qui sont importantes pour eux et elles.
Puisque s'ils le font, c'est que ça, ça doit leur coûter quelque
part de dire écoute, là franchement, je me sens pas bien
sur tel truc, et cetera. Faut savoir distinguer le la
personne qui a besoin d'être rassurée de la personne qui te
dit un truc véritablement profond.
Mais dans ces moments-là, il faut se montrer très à l'écoute.
Et autant y a plein de moments où quand vous sentez qu'on
commence à partir dans des digressions, de refaire toute la
psychologie, la psychologie du personnage, et cetera.
N'hésitez pas à interrompre. Franchement, je vous le dis
franchement. Interrompre très clairement ce
genre d'échange parce que ils sont souvent pas très
productifs. Vous vous souvenez que tout à
l'heure je vous ai dit trop d'informations tue la liberté.
Moi j'ai eu l'occasion je vais pas dire de l'observer parce que
ça voudrait dire que mon équipe le faisait, mais juste de sentir
que si on laissait se développer un échange qui était en train
d'avoir le lieu, que j'initiais parfois moi même le premier dans
un dans un réflexe de vouloir comprendre ce qui se passe, de
vouloir construire la psychologie du personnage plus
des fois. Finalement tu peux étirer sur 5
10 Min ou en fait t'as fait que parler et.
T'as pas du tout construit ton spectacle ?
Alors bien sûr y a besoin d'échanger, y a besoin de donner
du contexte, mais il faut savoir proportion toute proportion
gardée, quoi. Il faut rester dans la mesure du
raisonnable par rapport à ça et c'est la même chose pour ces
moments. Alors là vraiment j'ai envie de
vous mettre un gros, si si j'avais un surligneur audio, je
vous surlignerais ce que vous allez entendre.
Ne perdez pas de temps avec des conversations sur oui mais je
sais pas si quand je vais faire ça il va se passer tel truc.
Machin patin couffin il n'y a que l'épreuve, l'exercice ?
L'exécution qui va pouvoir vous montrer ce qui manque à la
scène, ça sert à rien de tourner en rond pendant 1/4 d'heure
autour du Ouais mais je sais pas si une fois que tel truc va être
comme ça. Ouais mais tu comprends je sais
pas si à ce moment-là après je vais pouvoir de trucs de comme
ça, il faut tester, il faut voir.
Ça serait comme de dire je sais pas si quand le vent tape à
droite sur ma flèche, quand je suis en train de tirer, si elle
va plutôt à gauche ou si vu qu'aujourd'hui il neige, elle va
aller plutôt vers le bas. Frère, tire ta flèche en fait
tire ta flèche, on va voir. Et en fait je vous dis ça et
vous pourriez penser que c'est quelque chose que je reproche à
mon équipe, mais ça m'a moi même été reproché à un moment donné
tout bête, on fait la création lumière et j'explique à mon
créateur Lumière fabuleux homme fabuleux qui nous a fait un
travail merveilleux. Je lui dis Ouais mais tu
comprends là après il va se passer ça et du coup je sais pas
si tel truc il dit mais en fait jouez la scène, on comprend pas
ce que vous voulez nous dire, on voit pas ce qui va se passer.
Donc jouez la scène comme vous pensez que ça, que que vous
pouvez le faire là tout de suite et une fois que vous l'aurez
fait. On vous dira, Ah OK, donc plus à
Cour, plus ajar, plus de lumière, moins de lumière, pas
cet élément de costume là. Et en fait, on on fera tous à un
moment donné cette erreur là. Donc déjà, c'est bien de le
conscientiser et de le savoir, mais c'est l'exercice et
l'exécution qui vous montre où vous devez aller, donc ne perdez
pas de temps. Moi je l'ai dit plein de fois à
à mes comédiens, écoutez, je sais pas, là je, j'ai besoin de
voir. On on l'essaye, on sait pas ce
que ça va donner, c'est juste pour voir.
Je veux juste ajouter, enlever, vous faire essayer un truc
différemment et et bien sûr les comédiens.
Comme je vous le disais tout à l'heure, les artistes ont besoin
de savoir la direction dans laquelle ils vont et ça sert à
rien de les lancer à corps perdu dans un truc où ils vont te
faire n'importe quoi parce qu'ils savent pas.
Mais donnez leur juste assez de contexte pour pouvoir les lancer
dans une direction. Et voyez comment ça se joue,
voyez si ils n'ont pas suffisamment d'imaginaire et du
coup ils sont un peu perdus, ils sont en carafe, et cetera, dans
ce cas ils vont très très clairement vous le dire et c'est
tant mieux. Et voyez si bah finalement y a
pas des belles choses qui peuvent se créer tu sais c'est
comme si tu fais le allez la scène de l'empoisonnement là
tout à l'heure avec cette histoire de café.
Jugeons cette fois-ci que y a pas de poison dans le café mais
que la personne va se faire étrangler dans dans dans 10 Min.
Tu vois alors à ce moment-là comment ça se joue, tu vois, est
ce que. Est ce que du coup t'as plus
d'attention sur le meuble, sur le dans lequel est enfermée
l'arme que tu vas utiliser plutôt que sur cette tasse dans
laquelle tu verses du cyanure ? Je veux dire, comment ça,
comment ça vie, comment ça respire ce truc là ?
Faut pas hésiter à tester des choses et surtout ne pas perdre
de temps, pas perdre trop de temps en conversation.
En fait, c'est très important de donner du contexte, et cetera,
mais la conversation autour avant le travail à la table,
tout ça c'est hyper important. Mais alors dans ce cas, si on
fait un travail à la table, on fait un travail à la table et on
donne la convention que. On est là pour réfléchir, pour
trouver, pour brainstormer, pour chercher les axes à l'intérieur
de ça, parce qu'en fait le temps de travail que vous avez dans
votre espace de répétition, il est hyper précieux et donc il
faut tâcher d'en extraire le maximum possible.
C'est un juste milieu à trouver entre.
Je leur donne des éléments de contexte et je les laisse aller.
Mais c'est toujours quasiment toujours l'exécution qui va vous
dire, même à vous, metteur en scène, metteur en scène, là t'es
pas au point, là tu leur as pas donné assez de choses là tu vois
bien qu'ici ils sont complètement en carafe,
d'ailleurs en carafe pour ceux qui ne le savent pas.
Parce que je je j'utilise peut être du vocabulaire, parfois
sans m'en rendre compte, ça veut dire ne pas savoir quoi faire
avec son corps, ne pas savoir où regarder, comment réagir à ce
moment-là où se déplacer que ouais, on se sent vraiment comme
une poule avec une fourchette dans les dents en mode là je
sais pas ce que je fais là, elle vient de me dire ça, je je fais
quoi, je me mets en colère, et cetera, donc y a pas de souci.
Être en carafe ça arrive tout le temps, c'est un truc normal.
Dans le process, il faut savoir redonner des éléments de
contexte ou des des rendez-vous à l'intérieur des scènes.
Et alors aussi YA1 truc extrêmement important dont dont
on a dont on n'a quasiment jamais parlé sur ce spectacle,
mais qui est évidemment un enjeu très actuel et très important,
c'est de définir les limites de tout ce qui est de l'ordre du
rapprochement physique, de des attouchements, de des
embrassades, de même même des conversations en fait, et de la
façon dont on peut s'exprimer les uns avec les autres.
Ne pas hésiter quand c'est la première fois que vous
travaillez avec quelqu'un demander est ce que je peux te
mimer, ce que je veux te montrer, est ce que je peux te
toucher, et cetera, à cet endroit là, juste pour te
montrer comment aller chercher tel objet ou comment te
positionner par rapport à ce par rapport à cet enjeu, cette scène
là, et cetera. Alors nous, on a eu la chance de
faire intervenir quelqu'un qui s'y connaît un peu.
Du coup, pour poser des limites entre une comédienne et un
comédien, alors poser des limites, c'est un mot un peu
fort, et en même temps ça, ça traduit la réalité.
C'est juste de se dire donc alors OK, si je te touche là pas
OK si tu me touches là, OK pour faire telle chose à tel moment,
pas OK pour faire telle chose à tel moment.
En fait, quand je vous parle de confort et de liberté, ça passe
par ça aussi et c'est très important.
Donc surtout sur le physique, tout ce qui est de l'ordre du
sentiment, mais aussi sur ce qui est de l'ordre de la
psychologie. Et de l'expressivité et de du
respect et du cadre dans lequel on s'exprime les uns avec les
autres. Moi j'ai eu la chance de
travailler avec des personnes qui sont d'une bienveillance
infinie et je tâche à le leur rendre tous les jours parce
qu'ils m'ont vraiment facilité la vie sur ce travail.
Mais des personnes qui m'ont dit est ce que est ce que je peux
m'exprimer là sur tel point que tu suggères ?
Parce que moi personnellement ça me bloque quand quand tu te dis
ou quand tu fais telle chose ? Du coup là moi j'arrive pas, je
sais pas, et cetera. Tout ça c'est la communication.
Et c'est justement le point qu'on va aborder dans le
prochain chapitre. Je vous fais quand même un petit
récap de cette partie qui était quand même généreuse à mon sens.
Pour qu'une répétition se passe bien dans le terme de travail
des scènes, il faut du contexte sur la scène qui est en train de
se jouer, des enjeux pour les personnages individuels, comment
ils se sentent à ce moment-là, qu'est ce qui s'est passé pour
eux avant ? Comment ils arrivent dans la
scène ? Qu'est ce qui va se passer pour
eux après ? Et de leur donner un maximum de
choses qui peuvent stimuler leur imaginaire.
Ça peut être des éléments de décor, des éléments de costumes,
des accessoires ou même tout simplement des rendez-vous à
l'intérieur de la scène. Tu sais comme un peu des points
de repère tu te dis bah voilà je je sais qu'à un moment donné
dans cette scène vous allez vous embrasser c'est évident ou je
sais à un moment donné dans cette scène il va y avoir une
claque. En lisant je le je le repérais,
je sentais que là forcément quelqu'un s'énerve et fout une
baffe à l'autre donc on va voir. Quand vous répétez quand est ce
que ça pourrait devenir logique ce moment là ?
Et donc en fait ça donne des directions, ça donne du cadre à
toute ton équipe artistique et puis c'est c'est beaucoup plus
agréable pour eux. Ensuite vous foutre du texte
hein. Donc à nouveau en tout cas,
passez par de l'improvisation, du sous texte, des subterfuges
de façon à faire en sorte que les émotions soient là, que ce
qu'il y a à jouer soit jouable, que la situation prenne vie.
Ensuite, restez bien maître à bord quand même de
l'organisation, du rythme de ces journées, des choses que vous
voulez voir, des choses que vous voulez faire, de quand est ce
qu'il faut se remettre au travail, de comment il faut
aborder le travail et puis définir des limites, tout
simplement pour le confort, le respect, l'intégrité mentale et
physique des personnes. Parce que la preuve en est nous,
on fait un spectacle merveilleux et à pas à un seul moment donné
où y a eu des éclats de voix, où untel a touché une telle ou je
sais pas quoi ou quelle connerie que certaines personnes se
permettent de faire de nos jours.
Donc voilà, c'est tout à fait possible de faire un travail
merveilleux dans de très bonnes conditions. sachez-le aussi.
Donc on passe au 4e chapitre qui est le 4e réflexe même, c'est de
communiquer beaucoup avec les autres.
Alors là, je vous parle plutôt de ce qui se passe en dehors des
répétitions puisque vous communiquez.
Donc, comme je vous l'ai dit, avec vos artistes pendant que
vous êtes en répétition, c'est très important.
Mais je crois qu'il y a quelque chose de très nécessaire aussi
en amont de ces répétitions aussi.
C'est de préciser les rôles, on va dire ce qui est attendu des
uns et des autres. Par exemple si vous avez un ou
une assistante assistante à la mise en scène, si vous avez de
la direction d'acteur comme ça a été le cas pour nous, puisque
moi comme je joue dans certaines scènes, je pouvais pas mettre en
scène les scènes dans lesquelles je joue.
D'ailleurs j'ai toujours du mal à comprendre.
Je je le vois avec beaucoup d'admiration hein, mais parfois
aussi avec un peu de de de déconvenue, les personnes qui
arrivent à écrire leur propre texte, se mettre en scène
eux-mêmes et jouer. Eux-mêmes le le wow le le le
personnage quand ça se passe bien c'est fabuleux je pense à
Manon Montel je pense à Pierre Guillois quand ça se passe pas
bien bah tu te dis en fait c'est logique frère parce que t'as
fait le spectacle tout seul quoi vraiment enfin je veux dire là
c'est évident que si YA1 problème c'est parce que tout
est centré à l'intérieur de ta conception des choses à mon avis
bon bref voilà je je trouve que c'est assez particulier quoi.
Précisez bien le rôle qui est attendu de chacun et voyez nous
on se posait souvent la question est ce qu'on se fait des rues
des rues et des rues et des rues et des rues et des rues et des
rues et des rues et des rues et des rues 2 et des rues et des
puis des puis des puis des puis des rues et des rois des puis
des puis des puis des puis des puis des puis des puis des puis
dessus dessus des puis des puis des puis dessus dessus des puis
des puis des puis des puis des puis des puis des puis des puis
des puis dessus des puis des puis des puis des puis des puis
des puis des puis des puis des puis des puis dessus des puis
des puis des puis des puis des puis des puis des puis des puis
des puis des puis DESS des poires des puis des puis des
puis des puis des puis des puis DESS des puis des puis des puis
des puis des puis des puis des puis des puis des puis des puis
des puis des puis des puis des puis des puis des puis des pains
des puis retour après les scènes est ce qu'on se fait des
retours ? Est ce que je peux me permettre
de m'interrompre pendant une scène pour te dire un truc qui
me va pas ? Est ce que je peux te faire des
retours moi ? Enfin tu vois le les artistes
qui disent est ce que je peux m'exprimer sur telle ou telle
chose ? Si tout le monde commence à
faire la mise en scène on s'en sort plus en fait c'est pas
possible. Cependant on est des humains,
donc en plus sur ce genre de matière humaine avec laquelle on
travaille, il est tout à fait envisageable que certaines
personnes soient d'accord, pas d'accord, et cetera.
C'est à vous de trancher, mais c'est à vous d'écouter aussi et
de prendre en considération les problèmes qui sont exprimés.
Bah par. Vos amis j'allais dire mais en
tout cas par votre équipe et donc précisez si vous voulez
avoir des retours des gens souvent à la fin des journées
pendant les scènes et précisez qui va s'occuper de quoi aussi
moi par exemple, j'ai eu la chance d'être accompagné à la
direction d'acteurs pour l'interprétation et à la mise en
scène pour tout ce qui est de l'ordre des situations, des
rendez-vous, des enjeux, des personnages, et cetera.
Donc j'avais une personne qui traitait un peu.
Le cadre, ce qu'il pourrait y avoir comme décor à tel moment,
ce qui serait utile comme accessoire à à penser quelle
modification il va y avoir dans le texte suite à la répétition.
Et une autre personne qui ne s'occupait que de dire si tu
veux entrer dans cette scène de façon à ce qu'il se passe, ça il
faut que tu entres dans tel État, c'est ça va être
difficilement possible. Autrement il faut que tu arrives
plus chargé, plus touché, plus énervé, que tu mettes plus de
rythme et cetera. Donc voilà, j'avais 2 diapasons
supplémentaires, c'est une chance hein ?
J'en ai bien conscience pour faire ce travail là.
Et que chacun justement connaisse le rôle des uns et des
autres. Comme ça chacun est à sa place,
personne déborde, c'est pas le bordel.
Donc alors après si vous êtes juste une personne à la mise en
scène et que vous avez 3 artistes, bon bah les choses
sont plutôt claires quoi. Mais juste si vous leur dites
voilà, moi j'ai envie que vous vous sentiez bien, j'ai envie
d'avoir vos retours. Cependant quand on travaille les
scènes, je préférerais au moins aller au bout de la session de
répétition de de de de ces 2 premières heures.
Et ensuite de prendre votre avis.
Voilà juste il il s'agit de d'expliquer Comment ça va se
naviguer tout ça à nouveau. Ce sont des choses que vous
Découvrez potentiellement donc en fait n'hésitez pas à dire Bah
finalement un peu plus de ça, un peu moins de ça, vous apprenez à
marcher avec votre équipe donc dites leur ça risque de changer.
J'ai besoin que ça change à tel moment pour telle raison.
Communiquez, communiquez beaucoup trop et surtout alors
là c'est l'élément le plus important, le vraiment le plus
nécessaire à mon sens. C'est de ne laisser aucune place
à la frustration et au non dit. Si vous communiquez, ça n'aura
pas lieu. Mais à mon avis, rien n'est plus
destructeur que des comédiens, des comédiennes qui commencent à
générer du ressentiment contre la personne qui les met en
scène. Pour X ou y raison, il faut
savoir dire les choses. Parfois il est normal de dire
t'as pas bien travaillé ça, ça manque, attention à ça, faut
refaire ça ça, vraiment, il faut que tu fasses comme ça parce que
sinon on n'y arrivera pas, et cetera.
Donc c'est normal d'exiger de demander.
Enfin, d'exiger le terme est un peu fort, mais de demander à
voir ou à obtenir telle ou telle chose dans une dans le cadre
d'un travail. Mais veiller à toujours prendre
la température, savoir si ça va savoir si y a des choses qui les
freinent parce que les artistes ont besoin d'être rassurés et
d'être aimés en permanence. Donc quand les choses vont très
bien, pensez à le dire. Et quand les choses ne vont pas
bien, utilisez intelligemment vos mots pour le pour le
communiquer. Et donc faites en sorte de de
toujours. Ouais, dégonfler la soupape en
fin de journée, dire un peu ce qui a été ce qui a pas bien été,
dire vous même à propos de vous que vous êtes pas content de
votre travail, faut pas commencer à dire l'autre il me
fait chier machin, Eh Ben il est pas content, c'est pareil et
tout waouh. Enfin je veux dire, comment vous
pouvez espérer ensuite avoir une une exploitation positive et
enthousiasmante. Enfin je veux dire, nous on est
tous en train de baver tels des chiens devant des os.
Affamés depuis des semaines de du moment on va jouer ensemble
quoi de joie et d'excitation. Et je me dis que si on avait été
plus frustrés, si on n'avait pas écouté les uns et les autres, et
cetera, on serait pas du tout dans cet état là.
Et toutes les mulsions positives que vous pouvez mettre dans un
spectacle, il en a besoin. C'est déjà suffisamment dur de
base quand tout va bien ce genre de job.
Donc là il faut vraiment tartiner des caisses possibles
sur le le confort et l épanouissement des uns et des
autres. Quoi vraiment ça c'est un gros
conseil de de potes. Ne laissez pas la place aux aux
non dits, aux messes basses, aux aux trucs.
C'est d'abord complètement immature et très puéril.
Vous êtes des adultes en capacité de vous exprimer, de
dire ce qui va et de dire ce qui ne va pas et de de prendre la
température sur comment les uns et les autres se sentent.
Ensuite, un dernier chapitre, donc, chercher ce dont le
spectacle a besoin. Et là-dedans, à nouveau, si je
pouvais surligner, je vous dirais ce dont le spectacle a
besoin. Il est évident qu'en tant que
metteuse ou metteur en scène, il y a des choses que vous avez
envie de voir, il y a des choses que vous avez envie de mettre,
il y a des idées que vous avez, que vous voulez mettre en avant.
Il est évident, je vous le dis tout de suite, que 90% des
choses que vous allez inventer, c'est de la merde en barre,
c'est ce n'est pas bon. Et c'est complètement normal.
Toutes les personnes qui travaillent dans le domaine
artistique vous diront que leurs succès sont construits sur des
montagnes d'échecs et de choses annulées, de projets avortés, de
choses qui n'ont jamais vu le jour.
Nous, on en est à la version 13 du texte et on continue à faire
des modifications. Je sais pas si ça vous raconte
suffisamment le nombre de scènes qui n'ont jamais vu le jour, qui
n'ont même jamais passé la porte des répétitions.
Ou le nombre de scènes qui ont été amputées de leurs 2 bras et
de l'oreille gauche tellement on a dû enlever du texte à
l'intérieur parce que ça ne servait à rien ou parce que les
choses se répétaient, et cetera. Donc mon gros conseil de pote,
là-dessus, c'est, testez vite les choses, tâchez vite de voir
une scène jouer, ou au moins lue pour voir tout de suite si y a
des freinages. Qu'est ce qu'il faut ajouter ?
Qu'est ce qu'il faut enlever ? Et cetera, et supprimer
beaucoup, supprimer allègrement les choses qui coincent.
Pour des raisons que vous ne parvenez pas à expliquer ou que
vous n'arrivez pas à corriger au bout de 3 à 4 nouvel angles
d'attaque. Je me souviens par exemple que
nous, on avait une scène Game. Claudel AA EU beaucoup de
déboires avec sa mère, c'était une personne qui pour elle était
relativement toxique, puisque elle, elle ne l'aimait pas,
enfin elle ne s'aimait pas toutes les 2 entre elles.
Et la mère de Camille Claudel ayant perdu 1 1 fils juste avant
la grossesse de de Camille, on a toujours pensé que le la
frustration et le ressentiment qu'elle avait de ne pas avoir pu
garder ce premier enfant, c'était répercutée sur sa
relation avec Camille. Donc il a été question à un
moment donné de faire intervenir cette mère.
Cependant, nous sommes 4 et il n'y a qu'une femme dans notre
mise en scène, à savoir Camille Claudel.
Ajouter le personnage de la mère pour ne pas ajouter une
comédienne qui n'aurait que ce rôle à jouer ou d'autres petits
rôles à l'intérieur de ça aurait voulu dire.
Bref, ajouter une comédienne qu'on n'avait pas à ce
moment-là, c'était pas prévu. On a ajouté cette scène au
dernier moment, ça devenait compliqué.
Donc on s'est dit à un moment donné, mais vous savez quoi les
gars ? L'un d'entre nous va se grimer.
On était 3 mecs, on s'est dit pourquoi pas ?
On va s'habiller en femme avec une robe d'époque, on va se
planquer sous un foulard et juste on va la laisser en fixe.
Avec une voix off ou quelque chose comme ça, et on va mettre
une silhouette de la mère qui parle à Camille Claudel.
Et on s'est aperçu au fur et à mesure des répétitions que
putain cette scène là elle nous faisait chier hein.
Mais alors je sais pas quand c'est les femmes savantes ou
quand c'est Macbeth, comment on peut faire quand on a une scène
comme ça, qu'on ne parvient pas à débloquer ?
Mais en tout cas nous on était bien coincés avec ce truc,
c'était un beau merdier. Pareil avec la scène de fin.
Pendant longtemps on a été frustré parce que en tout cas,
pour ma part, je l'étais parce que j'arrivais pas à me dire
putain, on termine le spectacle là-dessus.
J'étais pas content, pas content de de de l'écriture parce
qu'elle ne permettait pas de résumer la quintessence de de
cette aventure théâtrale et puis de cette histoire incroyable de
Camille Claudel et Auguste Rodin.
Bref, pendant longtemps j'étais très frustré, très frustré par
ces par ces scènes là. Et donc en fait, Ben en fait, on
en a fait 4 itérations différentes les gars, on a fait
4 fois la scène dans réécrire, retester, remettre en
répétition. Finalement on est passé par une
voix off, et cetera. Et aujourd'hui, on en a une
version dont on est satisfait, mais qui sait si on nous avait
donné 2 semaines de plus. Et c'est un des points que je
vais aborder avec vous juste après.
Qui sait combien de temps on aurait passé sur ce truc là ?
Donc quand les choses résistent, permettez vous si c'est votre
texte, si c'est une création, et même si c'est l'écriture d'un
auteur qui à mon avis a voulu écrire cette scène pour qu'il
s'y passe telle ou telle chose, n'hésitez pas à casser ça, à
déformer. À changer d'angle d'attaque.
Moi vraiment, c'est un des trucs qui m'a le plus servi, vraiment,
c'est de commencer tout de suite le travail par la scène, donc
donner tous les éléments que je vous ai décrit dans le 3e
chapitre, à savoir offrir de bonnes conditions à vos
artistes, leur donner du contexte, des enjeux, des
éléments de décor, des accessoires, et cetera.
Leur dire voilà, il va se passer ça à tel moment-là à tel moment.
J'aimerais bien que du coup qu'il y ait tel événement tout
ça. Faisons en sorte de voir si ça
prend corrigeons au fur et à mesure et en fait à a.
À chaque fois qu'on a vu les choses, qu'on a testé les
choses, on s'est tout de suite rendu compte de ce qu'il
freinait. Et donc on pouvait changer le
texte, changer l'action, changer l'enjeu, changer le sentiment
global, changer la façon dont on entre, changer la vitesse à
laquelle on se parle, de façon à ce que d'un coup les choses
deviennent cohérentes. Et donc là c'est vraiment je je
sais pas pourquoi, mais j'ai envie de penser que parmi les
personnes qui m'écoutent, là y en a pas beaucoup des comme ça,
mais votre ego d'auteur, votre ego de metteur en scène et de
personne qui a des idées. Qu'y a une conception artistique
des choses si jamais y en a à l'intérieur de vous qui ont
cette prétention là j'ai j'ai pas envie d'être vulgaire mais
faut-il faut vraiment vous la foutre au cul ou une bonne
demi-heure. Pardon de vous parler
sincèrement hein les gars. Mais je veux pas vous bullshiter
avec des trucs. Mais si vous avez la prétention
de penser que vos idées sont tellement bonnes qu'elles ne
méritent pas d'être déformées par vous.
Ou votre équipe, ou qu'elle ne mérite pas d'être réécrite.
Waouh. Vous faites un théâtre qui ne me
correspond pas, ça c'est sûr, mais les goûts et les couleurs
hein. Mais il faut vraiment à mon sens
se placer humblement comme un artisan qui affine test mais le
coup de marteau supplémentaire sur la lame encore rougie par la
chaleur pour se demander si l'angle finalement au lieu
d'être 67° et demi, c'était pas 67° pour avoir un katana qui
coupe vachement bien. Pardon, de la métaphore encore
hein, je suis vraiment un grand fan des images, vous l'avez
compris maintenant, mais. Faut vraiment redescendre
carrément de 6 étages, parce qu'en fait tout ça va devenir
contre-productif quoi. Si vous voulez absolument
obtenir telle ou telle chose, absolument voir telle ou telle
chose, parce que c'est votre idée, parce que c'est comme ça
que vous pensez que ça doit être joué.
Waouh. Bon courage en fait.
Et tant mieux si ça fonctionne pour vous.
Mais il est évident en tout cas dans notre process que ce qui
nous a fait gagner beaucoup de temps et de qualité, ça a été ma
capacité à dire ce que je fais, c'est de la merde, ça c'est pas
bon. Ça ça nous bloque cette blague,
elle me fait chier, j'avais tellement envie de garder Ça,
Ben je vais l'enlever. Cette scène que j'ai réécrite
déjà 3 fois, va falloir la réécrire une 4e fois.
Et donc ça passe par votre capacité, humblement à dire que
vous ne savez pas, que vous avez fait une erreur, que c'était un
mauvais choix. Et ça passe aussi par des choses
aussi bêtes que de dire à vos comédiens, tu vois juste avant,
parce que ça ça nous arrive tout le temps juste avant je t'ai
demandé de le faire comme ça, bah en fait pas du tout, par
pitié fait complètement l'inverse.
C'était une mauvaise indication que je t'ai donnée ça, n'hésitez
pas à le dire. Parce que moi même je suis
comédien, et c'est vrai que quand on me dit un truc, genre
joue la joie, je vous dis n'importe quoi hein, vraiment là
je grossis les traits et qu'ensuite on dit mais non, il
faut que tu joues en colère. Ah oui mais Frérot, tu viens de
me dire de jouer la joie, faut savoir, ne tu peux pas exprimer
que c'est pas ce que je dois faire alors que tu viens de me
demander un truc. Donc juste quand vous indiquez
des choses à vos collègues, n'hésitez pas à dire que
finalement il faut changer. C'était une version que vous
aviez envie de voir, vous le remerciez de de l'avoir vu ?
Mais finalement la réponse n'est pas là, il faut-il faut aborder
les choses autrement. Et de les remercier de leur
disponibilité, d'avoir bien voulu tester, et cetera.
Bon, n'en faites pas des caisses, mais je veux dire juste
ayez l'humilité de vous dire que putain vous vous avez.
Comment dire des génies dans le théâtre, ça se compte sur les
doigts d'une main. Et je pense que même ces génies
là, et peut être que c'est là que se trouvent leurs génies,
étaient de grands suppresseurs de de leurs propres idées quoi.
Voilà, par pitié, imaginez-vous vraiment comme un écrivain qui a
un monticule de feuilles froissées à côté de lui ?
Ou d'elle ? C'est vraiment l'image que vous
devez avoir de votre travail de mise en scène.
C'est de dire, il va y avoir plein de prototypes, plein de
prototypes, pardon, plein de choses qui ne fonctionnent pas,
et tout ça doit vous permettre d'avancer plus vite et plus
sereinement. Un dernier conseil que j'ai à
vous donner qui à mon sens, est vraiment le plus important,
puisque à nouveau, quand vous êtes dans un processus de
création, que vous travaillez toujours avec la même équipe,
toujours à partir de votre texte, toujours dans le même
endroit, toujours dans le même décor, et cetera, vous finissez
par entrer dans une bulle, vous finissez par bosser avec des
œillères. Vous finissez par ne vous
concentrer que sur l'histoire et la façon dont vous voulez
qu'elle soit racontée, mais vous perdez un peu votre capacité à
redevenir spectateur et à regarder, à redécouvrir
objectivement les choses que vous avez installées.
Donc un truc qui est hyper important à faire, c'est de vous
donner des rendez-vous avec des regards extérieurs.
Donc moi j'avais la chance d'en avoir plusieurs, des personnes
qui intervenaient régulièrement assistantes à la mise en scène,
direction d'acteur pour dire bon ce que vous avez installé là.
Pardon hein, mais on comprend pas ça, on l'a pas ça.
Si vous voulez que ce soit ça le résultat faut passer par là.
Quand la technique est arrivée ça a été la même chose de dire
là on on comprend pas trop où il est-il faudrait une hapsonor qui
nous indique ça là il défonce une porte mais ça fait pas de
bruit, franchement ça fait bizarre.
Alors que toi quand t'es en répétition tu te dis Ouais bah
c'est bon, l'image elle est suffisamment forte, et cetera.
Donc en fait à nouveau c'est votre capacité à vous dire bon,
mon idée, ma façon de concevoir les choses ou la façon dont nous
avons collectivement conçu les choses.
Ne suffit pas, n'est pas suffisamment en place et donc
mon grand conseil de le dernier, c'est de faire intervenir des
regards extérieurs sur tous les organes de votre création que ce
soit. Est ce que tu penses que les
costumes sont suffisamment justes ?
Est ce que lui on comprend bien que c'est un médecin, est ce que
lui on comprend bien qu'il se passe telle chose, est ce que
elle on on voit bien tout le sentiment, toute la force de
volonté qu'elle a, et cetera. N'hésitez pas à poser des
questions un peu bêtes comme ça pour savoir si on a bien
compris. Les choses et des questions
aussi bêtes que est ce qu'on nous entend bien quand on est au
rang du fond, est ce que cette couleur là sur ce meuble là, ça
c'est pas trop criard dans le décor qu'on a proposé, est ce
que là on comprend bien qu'on est chez elle, chez lui et
cetera. Voilà n'hésitez pas en fait à
faire intervenir des copains, prendre des rendez-vous comme ça
pour montrer des étapes de travail, n'ayez pas peur de vous
montrer un peu à poil. Enfin voilà, faut montrer la
fesse gauche quoi. Je veux dire c'est pas non plus,
faut juste montrer là où on en est à un moment X.
Qui est une étape de travail. Les gens de toute façon seront
hyper à mon avis honorés et curieux de se dire waouh, à quoi
ça va ressembler quoi. Et prenez des conseils.
Un des prochains épisodes qu'on va sortir concerne un spectacle
qui s'appelle la loi du désir sur le masculinisme toxique.
Je résume un peu dans les grandes lignes, Eh bien, le duo
qui a conçu ce spectacle s'est régulièrement fait aider par
différentes personnes du domaine théâtral, tout simplement pour
faire en sorte de dire bon, bah. Est ce que là on est compétent ?
Est ce que ça ça fonctionne bien ?
Qu'est ce que tu penses de cette étape de travail et que les
retours à la réalité ont peut être parfois certes été violents
mais en tout cas l'ont toujours été très très très productifs.
Ça vous donne pas mal de travail donc sur des choses à faire pour
faire en sorte de bien mener votre première mise en scène.
Si vous avez envie de découvrir ce merveilleux spectacle sur
Camille Claudel et Auguste Rodin, bah les gars.
Vous m'envoyez un message ou vous cliquez sur le lien vers la
bande annonce et les dates qui sont disponibles.
Vous nous rejoignez au théâtre Duran Lac YA1 Pot après auquel
vous êtes convié, y aura des petites choses à manger et le
bar du théâtre sera ouvert. Donc moi je vous y retrouverai
avec une immense joie pour vous présenter notre équipe, pour
vous présenter ce spectacle. Spectacle qui est donc programmé
à Paris. C'est extraordinaire mais qui
part aussi déjà en tournée, donc c'est vraiment génial d'avoir
déjà des dates à l'extérieur de Paris.
On attend déjà plus d'une centaine de personnes pour la
première. C'est complètement délirant ce
que je vous raconte, pour moi elle a vraiment on on comment
dire des inconnus, des étrangers qu'on ne connaît ni d'Adam ni
Dave, du coup, vont sur les sites de réservation ou se
présentent au guichet du théâtre, dépensent leur argent
pour venir regarder notre spectacle.
C'est un sentiment hyper grisant, très agréable, que je
vous recommande vivement. Donc faites là cette première
mise en scène qui vous effraie peut être un peu.
Venez prendre conseil auprès de nous, au premier conseil auprès
de personnes qui ont déjà fait de par le passé.
Mais c'est un sentiment absolument incroyable que je
vous souhaite de rencontrer le plus vite possible.
Et qu'est ce qu'il nous tarde, qu'est ce qu'il nous tarde de
montrer ce ce travail qui a fabuleux, qui a demandé près de
2 ans de conception. Donc voilà, si vous souhaitez le
découvrir en images, y a une bande annonce, prenez vos
places, elles sont vraiment pas chères, ça fera plaisir de vous
voir et de d'échanger autour de la création et de là où vous en
êtes dans vos projets. Et puis tout simplement, je vous
dis à très bientôt pour un épisode sur Avignon puisque
Avignon approche et y a des équipes qui sont encore dans
l'interrogation de se dire est ce qu'on part, est ce qu'on part
pas ? Oui non, je pense qu'il est
grand temps de faire un épisode sur les raisons pour lesquelles
vous devez ou ne devez surtout pas faire Avignon, ce sera très
productif. Et j'en profite pour vous dire
que je serai de nouveau à Avignon cette année en tant que
chargé de diffusion. figurez-vous je serai à
l'accueil des professionnels dans certains théâtres et donc
j'aurai le plaisir de découvrir plus en profondeur cette facette
sur laquelle je tâche à vous donner tellement de conseils au
fur à mesure du temps que je tâche à pratiquer moi même
d'ailleurs avec mes projets mais aussi avec les projets d'autres
personnes. Et donc je reviendrai encore
plus armé et encore plus riche de de cette Avignon pour faire
en sorte que vous puissiez progresser.
Je vous en parle plus en détail dans un dans un prochain
épisode. En tout cas ça m'a fait très
plaisir de vous parler, de retrouver.
On est de retrouver enfin ce dispositif là.
J'espère que vous allez bien ? dites-moi en commentaire où vous
en êtes parce que ça fait un moment qu'on n'a pas tchatché et
oui je l'ai encore tchatché en 2026YA pas de problème je vous
assure ça fonctionne très bien et voilà.
Merci à toutes les personnes qui nous écoutent et qui nous ont
rejoint dernièrement, rejoignez nous sur les réseaux la troupe
underscore ou tirer du 8 pour les intimes podcasts et moi je
vous dis à très bientôt pour un nouvel épisode qui vous fera je
l'espère progresser le plus vite possible.
Ciao ciao. Merci d'avoir été avec nous pour
cette émission, j'ai encore quelques bonnes infos pour vous.
Si vous voulez voir le meilleur de chaque épisode en format
condensé ainsi que les coulisses et les pépites de l'équipe,
foncez sur votre Instagram et tapez la troupe podcast dans la
barre de recherche. Le Podcast existe également au
format vidéo et oui, l'émission est disponible sur Youtube.
Le lien est accessible dans la description de l'épisode, sur
vos plateformes d'écoute ainsi que sur notre page Instagram que
vous venez d'aller suivre il y a quelques instants.
Et pour ceux qui veulent aller plus loin et qui ont besoin de
conseils précis, je vous invite tout simplement à me contacter
directement sur. LinkedIn ou sur Instagram où je
répondrai à un maximum de vos questions.
Pensez à noter le Podcast et à l'ajouter dans vos favoris.
Ça nous fait non seulement très plaisir, mais surtout ça permet
à plus de monde de le découvrir et ça nous donne envie de vous
fournir un contenu toujours plus qualitatif.
Voilà, c'était la troupe, merci d'avoir été là et à la semaine
prochaine.